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Eine malerische Landschafts Intervention
Parkgelände Museum Barendorf, Iserlohn 2021
Brigitte Felician Siebrech
Eine malerische Landschafts Intervention
Parkgelände Museum Barendorf, Iserlohn 2021
Brigitte Felician Siebrech
Gemeinsam mit meinem künstlerischen Partner, dem Bildhauer .KL Pempeit. habe ich zwischen 2014 und 2017 die Konzeption und Realisation des Frankfurter Mahnmals für Sachsenhäuser Progromopfer umgesetzt.
Auf der Webseite gibt es Hintergrund Informationen zum Werk
Hier ein Artikel aus der Zeitschrift:
Evangelische Frankfurt
13.6.2017
Artikel hier lesen
Frankfurter Neue Presse, 12.6.2017
Artikel hier lesen
[pdf-embedder url=“http://www.siebrecht-art.de/wp-content/uploads/2017/06/fnp_12_Juni_2017_S_17.pdf“]
Physio:G(e)Nom
Generatives Video Script von Brigitte Felician Siebrecht
Das Programm arbeitet mit einer variablen Anzahl an Personen Fotografien.
Aus diesen Portraits generiert das Programm in regelmäßigen Abständen ein neues Bild, in dem Bestandteile aller zugrundeliegenden Gesichter vorhanden sind.
Dieser Prozess ist Zufall gesteuert.
Jeder Pixel wird dabei einzeln aus dem vorhandenen Pool ausgewählt.
Grundlegend ist die Idee, eine digitale Allegorie erzeugen: Die millionfache Möglichkeit der Bildung unseres individuellen genetischen Codes wird abgebildet durch die millionenfache Anzahl an Pixeln und deren theoretischer Möglichkeit der Neu Konstruktion.
Die theoretischen Möglichkeiten der Varianten werden bestimmt durch die Größe der Ursprungsportraits (Details) sowie durch die Anzahl der beteiligten Personen und gehen ins Millionenfache.
Das Projekt wurde bereits mehrfach in unterschiedlichen Szenarien installiert.
Das heißt eine jeweils spezielle Auswahl oder Gruppe von Menschen wird miteinander verwoben.
Im Allgemeinen ist beobachtbar, dass eine höhere Anzahl vonTeilnehmern ein immer harmonischer werdendes Gesamtbild erzeugt. Teilweise scheint sich sogar ein Wesentliches der Gruppe herauszubilden.
Individuelle Eigenheiten werden reduziert, dafür entsteht eine Art durchschnittliche Schönheit.
Die Arbeit wurde 2014 vom Museum of Computer Art / New York gefeatured
Aus der Beschreibung
„Contrary to my speculation the new faces were less characteristical but more harmonic.
Still if you watch the animation for a longer time you will believe to recognize individuals, characteristics and personalities even if you don’t know the original persons.
On the other hand if you know the involved persons you will be reminded somehow to each of them in each generated new face althought they’re completely different.
It’s a very strange impression.
I found out that the more faces I mixed together the more arbitrary they seemed to become.
Allegories and Beauty
The main thoughts, I had, starting this projects dealed with questions of genetical coincidence and variety as well as with the social idea of inclusion.
The uncountable number of pixels of the digital portraits are kind of allegorical to me to the millions of genetical informations that lead to our individual appearance and possiblities.
The visualisation began to improve this allegorical meaning: Diversity and inclusion of as many as possible varieties seem to lead to an impression of harmony, balance and beauty.
The impression of beauty especially is created by an impression of harmonical balance and formal evenness.
Immediately apparent characteristics and uneven peculiarities disturb the perception and create the sentiment of non-beauty.“
Allgemeines
Das generative Script arbeitet mit einer variablen Anzahl an Portraits.
In regelmäßigen Abständen wird aus der Gesamtheit ein neues Bild erzeugt, in welchem auf Pixelebene Elemente aller zugrundeliegenden Gesichter vorhanden sind.
Ich habe das Script mit einem Zufalls-Algoritmus ausgestattet.
Jeder Pixel wird dabei einzeln aus dem vorhandenen Pool ausgewählt.
Grundlegend ist für mich die Idee, eine digitale Allegorie erzeugen:
Die millionfache Möglichkeit der Bildung unseres individuellen genetischen Codes wird abgebildet durch die millionenfache Anzahl an Pixeln und deren theoretischer Möglichkeit der Neu Konstruktion.
Die theoretischen Möglichkeiten der Varianten werden bestimmt durch die Größe der Ursprungsportraits (Details) sowie durch die Anzahl der beteiligten Personen und gehen ins Millionenfache.
Realisation
Das Projekt wurde bereits mehrfach in unterschiedlichen Szenarien installiert.
Das heißt eine jeweils spezielle Auswahl oder Gruppe von Menschen wird miteinander verwoben.
Im Allgemeinen ist beobachtbar, dass eine höhere Anzahl vonTeilnehmern ein immer harmonischer werdendes Gesamtbild erzeugt.
Teilweise scheint sich sogar ein Wesentliches der Gruppe herauszubilden.
Individuelle Eigenheiten werden reduziert, dafür entsteht eine Art durchschnittliche Schönheit.
I visited a group of ‚handicapped‘ artists …
The group of about 30 artists works together since years in a small studio. The plan was to make an exhibition together with a couple of other artists…
Although it was not part of the initial concept I made portraits of the group during my visits.
Revising my work afterwards I found out that the persons I portrayed all had very intense physiognomical expression and facial features because of their ‚handicap‘.
Because of juristical coherences it was not possible to use the original portrait-photographies for an exhibition. But I had the idea to make them part of an allegorical visualization that also could reflect some of the thoughts that concerned me.
I edited the portraits reducing colours and contrasts as much as possible to get even closer to the main characteristics of the individual faces.
Next I wrote a Video script that divided the digital portrait files into an immense pool of single pixels and digital informations. In this manner each photography was disassembled into millions of unsorted pixels.
As a next step I installed the possibility within the script to build a new picture using random algorithms. Each pixelposition is defined randomly by obtaining the pixel at the defined position of one of the 30 portraits. In that way the generated new portrait calculatory contains informations of all 30 portraits!
The script now produces a new random face every 10 seconds and gives rise to an animation.
Because of the high quantity of pixel positions this is a nearly endless process as you can caculate by mathematical probability.
The result was fascinating!
Because of the millions of single points the created new image had a very special, almost lyrical impression that evokes the association of a drawing.
Contrary to my speculation the new faces were less characteristical but more harmonic.
Still if you watch the animation for a longer time you will believe to recognize individuals, characteristics and personalities even if you don’t know the original persons.
On the other hand if you know the involved persons you will be reminded somehow to each of them in each generated new face althought they’re completely different.
It’s a very strange impression.
I found out that the more faces I mixed together the more arbitrary they seemed to become.
The video is generative. That means it generates itself by algorithms during run time. The pictures created are not repeatable and the possible alternatives are nearly infinite. Using a resolution of 1440 x 1080 pixels there are 1.555.200 pixels in total. Each of them can be casted by 30 different possibilities.
Allegories and Beauty
The main thoughts I had starting this projects dealed with questions of genetical coincidence and variety as well as with the social idea of inclusion.
The uncountable number of pixels of the digital portraits are kind of allegorical to me to the millions of genetical informations that lead to our individual appearance and possiblities.
The visualisation began to improve this allegorical meaning: Diversity and inclusion of as many as possible varieties seem to lead to an impression of harmony, balance and beauty.
The impression of beauty especially is created by an impression of harmonical balance and formal evenness.
Immediately apparent characteristics and uneven peculiarities disturb the perception and create the sentiment of non-beauty.
Weitere Versionen:
EN Kunst 2006
‚Das Leben ist ein Kunstwerk und das Kunstwerk ist Leben’
[Emmet Williams]
Die Fähigkeit, Vorstellungen des Realen zu verändern, neue Begriffe zu bilden, das eigene Bewusstsein zu ver-wandeln, macht aus Menschen nicht nur Autoren von Kunst sondern auch Schöpfer der Wirklichkeit …Kunst wird damit zur „Weltanschauung“.
Im Rahmen der „EN-Kunst 2006“ installierten die beiden Künstler B. Felician Siebrecht und KL Pempeit von September bis November 2006 auf dem Gelände des LWL-Industriemuseums Henrichshütte in Hattingen ihre eigens für diesen Ort entwickelte Arbeit „17 Tafeln“.
Die ca. 20 m breite und 2 m hohe Installation nahm dabei bewusst direkten Bezug auf die “gewordene” Umgebung auf dem Gelände der Henrichshütte. Gefundene, zufällige Strukturen aus Farbe und korrodiertem Metall, die von deren ehemaliger Funktion zeugen, wurden aufgegriffen.
Losgelöst von eben dieser ursprünglichen Nutzung und Bedeutung wurden sie von den beiden Medienkünstlern als höchst ästhetische Objekte wahrgenommen und in Korrespondenz zu den ursprünglichen Objekten – quasi als Vorstellungs-Spiegelung – wiedergegeben.
Dabei wurden die zufälligen, durch (natürliche) Prozesse entstandenen Strukturen zur intuitiven Anregung. Interpretationen des Schemenhaften vertieften das bereits Vorhandene und modulierten aus dem „GeBilde“ analog das „Bild“. Scheinbar „Bedeutungsloses“ wandelte sich damit für den menschlichen Blick in „Bedeutungsvolles“.
Die Wirkung der Installation war ausgerichtet auf das Erleben jedes Einzelnen, die Beobachtung der eigenen Vorstellungsbildung und die Entdeckung der aktiven Gestaltung des Wahrgenommenen.
Für die beiden Künstler aus Iserlohn ist Interaktivität in ihrer Arbeit ein zentraler Punkt. Der „Einstieg“ der Betrachter in eine Form von Aktivität war daher betonte Absicht.
Es sollte nicht ein „Kunstwerk“ entstehen, dem sich die Betrachter gegenüber sehen, sondern es wollte Vorschlag sein, anders zu sehen, neu zu sehen – Anregung, sich die Welt in kreativer Weise zu “eigen” zu machen…
Der Ansatz, die Neuen Medien nur als Werkzeug zur Duplikation zu nutzen und den Schauplatz der Interaktivität in der äußeren Wirklichkeit zu belassen, ist dabei die Besonderheit.
Zuletzt schienen sich die Motive eingeprägt zu haben in die Originale – sie waren dort sichtbar geworden – quasi nicht mehr „weg-zu-denken“…
Das Spiel mit der eigenen Kreativität und Vorstellung – ganz im Beuysschen Sinne („Jeder Mensch ist ein Künstler“) hat die Mehrheit der Ausstellungsbesucher in seinen Bann gezogen. Einige empfanden dies sogar als Rückkehr in die eigene Kindheit, in der man eine gewisse Ausgelassenheit gegenüber den Wahrnehmungen der Welt erlebt hatte.
Die zurückbleibende Frage: „Was und wie sehen wir eigentlich wirklich?“ lässt sich übertragen auf alle Orte und Situationen menschlichen Lebens.
Siebrecht und Pempeit wollten mit dieser speziellen Visualisierung außerdem eine Analogie schaffen zum Schicksal vieler Industriebrachen, die in den letzten Jahren verstärkt durch so genannte “Umnutzungen” eine neue Existenzberechtigung erhalten haben. Auch die 17 Tafeln der Henrichshütte haben eine „Umnutzung“ bzw. „Umdeutung“ ihrer ursprünglichen Bedeutung erfahren, deren Wirkung anhält, auch nach Demontage der Installation vor Ort und die sich ausbreitet auf das gesamte Gelände.
„Zwischen den Zeichen“
contemporary art ruhr / Zollverein Essen 2008
Künstlerisches Konzept zur Ausstellung 2008
Between the bytes [programming-radnom-inspiration]
There’s an invisible layer behind every digital piece of art.
The layer of signs, codes and algorithms.
Usually we appreciate the aesthetic surface – because here we find the artistic validity.
But in fact the „Layer behind“ in digital art matters much more than we believe!
Between the Bytes is an experiment concerning explicitly the layer of bytes and codes and turns it „inside out“ into perception.
Digital Photographs are the starting point. The motives are mainly abstract or experimental.
Brigitte Felician Siebrecht developed a script that dissects the digital informations of the photographs into an unsorted pool of data. Next the script assembles new variations on the basis of random algorithms. This new sorted bytelist is turned into a picture again.
For computers there is hardly a difference between the variations – but for human perception it makes a real difference. Can we take the new image as an aesthetics piece of art? Or is the idea the only left artificial aspect?
The script is able to assemble indefinite variations within a short time.
In distinction from that the artists take the original digital photographs to compose a new image either.
Idea versus algorithm.
The restriction to a limited pool of data makes artistic work strenuous.
Work is just finished when it’s completed.
The new work takes several days to come up and is at least not replicable or repeatable.
Is uniqueness wedded fundamentally to our concept of art?
The exhibit „between the bytes“ show expressive collected series combining artistic works from the „machine“ from the artists.
The visitor will find himself thrown into questions about the meaning of inspiration and individuality inside of the artistic process.
For the machine all variations are pretty much equal.
What do we perceive?
Machines can not read between the bytes. Not yet? Will they ever?
Zu den sozusagen kumulativen Erkenntnissen, die uns, meine sehr verehrten
Damen und Herren, von unzähligen Museumsbesuchen geblieben sind, gehört
folgende: das typische Landschaftsgemälde kommt im Querformat daher. Weil
dieses sich ideal anbietet, die meist als horizontale Bänder auftretenden
Naturerscheinungen Erde, Feld, Wald, Fluß, Weg, Meer, Himmel plausibel zu
staffeln. Dafür, daß Querformat immer noch Landschaft signalisiert, auch
wenn es statt handgemalt maschinengedruckt ist und uns statt der ge-nannten
Naturerscheinungen nur wie mit dem Lineal gemessene horizontale Farbstreifen
begegnen, dafür finden wir hier im Raum mehrere Beispiele. Anders verhält es
sich mit dem Bild, das ich als Einstieg in diese Ausstellung empfehle. Als
gleichseitiger Quadrat-meter hängt es an der Wand, als Digitalfotografie,
die das Künstlerduo Siebrecht und Pempeit nach einer eigenen Methode
prozessiert und als Pigmentdruck auf Leinwand gebracht hat. Aber selbst wenn
es sich nicht schon per Titel „landscape fragmented – in Teile zerlegte
Landschaft“ thematisch zu erkennen gäbe, hätte der Betrachter doch am Motiv
kaum Zweifel: zu sehr ist sein Wahrnehmungsapparat geeicht auf die
Situation, Grasgrün zu sehen, wenn er den Blick senkt, Himmelsblau, wenn er
den Blick hebt, und jenen hellen Bereich dazwischen, der für Gebäude stehen
könnte, asphaltierte Flächen, Mauern und Zäune – jedenfalls etwas vom
Menschen Gesetztes. Nicht der verwischte Eindruck dieser Mittelzone ist es,
was verwirrt. Es sind die Rotanteile des Werks. Kerzen-gerade und fadendünn
steigen sie auf, dichtgereiht und doch wieder transparent, aus dem Grün hoch
ins Blau, an Fontänen erinnernd, die ihr purpurnes Naß in die Luft schießen.
Doch welches Naß? Welche Substanz wurde da zu spritzenden Partikeln
zerschreddert? Ist da eben noch ein Rasenmäher durchs Bild gerollt? Und was
hat er erwischt? Nur ein Bü-schel Mohnblumen – oder nicht vielleicht doch
etwas Kostbareres, Empfindlicheres? Plötzlich hat der Betrachter das Gefühl,
er steht vor einer Szene, die ihre Unschuld verlo-ren hat allein schon weil
in ihr etwas vorgefallen ist, dessen Konsequenzen buchstäblich noch in der
Luft hängen, ohne daß man doch rekonstruieren könnte, was. Durch irgendeine
Manipulation, auf die zurückzukommen sein wird, ist es seinen Augen
entzogen. Des Rät-sels Lösung pocht gleichsam von hinten ans Bild, kommt
aber nicht durch.
Das läßt mich an einen Film denken, den Sie alle kennen. Nein, nicht den
„Rasenmäher-Mann“, frei nach Stephen King. Ich meine „Blow Up“, den
Klassiker der Kinoleinwand, den Michelangelo Antonioni 1966 vor dem
Hintergrund des „Swinging London“ drehte. Sie werden sich erinnern: da ist
der Modefotograf, der sich ein bißchen, gerade so viel, daß es nicht
schmerzt, an den Grenzen seines Metiers reibt und etwas Authentischeres
versuchen möchte. Der Teufel beschenkt ihn genau damit. Als er
Gelegenheitsfotos eines Lie-bespaars in einem Park macht, nimmt er ungewollt
Täter und Opfer eines offenkundigen Mordfalls mit auf. Doch unentzifferbar
klein im Gebüsch. Als er ein Blow Up, eine Ver-größerung herstellt, lösen
sich der leblose Körper ebenso wie die Hand mit der Pistole auf in
grobkörnige Unschärfe. Er ist genauso schlau wie zuvor. Eine Bekannt, der er
das Blow Up zeigt, sagt bezeichnenderweise: „Das sieht aus, als hätte mein
Freund es gemalt.“ Zweifellos ein Vertreter der abstrakten Fraktion. Nolens
volens wird der Fotograf tiefer in den Fall verstrickt: erst entdeckt er die
Leiche am Tatort, zeigt es aber nicht an, weil er plant, es kommerziell
publik zu machen; dann ist die Leiche verschwunden, und beim
Nachhause-kommen muß er feststellen, daß sowohl Abzüge als auch Negative aus
seinem Studio gestohlen worden sind. Ich würde mal vermuten, er hat den
Authentizitätstest nicht bestan-den… Auch in dieser filmischen Meditation
über die Manipulierbarkeit von Medien und Menschen und grundsätzlich über
die Moral des gestalterisch Kreativen klopft des Rätsels Lösung gleichsam
von hinten ans Bild, ohne durchzukommen. Am Ende weiß das Publi-kum nicht
mehr, was jetzt Realität, was Einbildung war, was bedeutungsvoll, was
bedeu-tungslos, was Oberfläche, was tragender Grund.
Das ist so verschieden nicht von den Fragen, davon unser Duo Siebrecht und
Pempeit um-getrieben wird, das seit mehreren Jahren schon künstlerisch
zusammenarbeitet. Bei ihnen ist, dem technischen Stand der Zeit gemäß, die
Körnung des Fotopapiers der Pixelung ge-wichen, der man auf dem Monitor des
Rechners, erst recht aber im aufwendigen Compu-terprint begegnet. Ausgehend
von Farbfotografien beider haben sie ein Konzept von Pro-duktion und
Präsentation entwickelt, das die auf Leinwand gedruckten Ergebnisse
hinein-schickt mitten ins Spannungsfeld zwischen Wirklichkeit und Kunst,
mathematischer Steuerung und freischweifender Inspiration, Individualität
und Austauschbarkeit. Und was jene mysteriöse Kraft betrifft, die von hinten
ans Bild klopft, weil sie definiert werden will – so ist ihre Bestimmung
nicht mehr so sehr Aufgabe des Werkurhebers wie nun des Werkbe-trachters.
Geradezu didaktisch wird der bei der Hand genommen von den diversen
Fünfer-serien. Jede enthält einen Ausdruck des Originalfotos, das von sich
aus mal mehr, mal weniger gegenständliche Wiedererkennbarkeit mitbringt.
Sodann zwei Überarbeitungen, jeweils eine von B.Felician Siebrecht, eine von
K.L.Pempeit, wo streng auf der Basis des digitalen Datenbestands eine
Abfolge gestalterischer Entscheidungen zu völlig unter-schiedlichen
Kompositionen geführt hat. Bleiben zwei weitere Variationen. Auch sie
be-nutzen nichts anderes als den Datenbestand der Originale, wobei seiner
Anordnung jedoch ein spezielles Siebrecht’ sches Computerprogramm
zugrundeliegt. Dessen Algoritmen – sprich: regelhafte Rechen-vorgänge –
ergeben ein Muster, ein Muster von Hunderttausen-den hin- und hergeschobener
Einzelzeichen, das durchaus einer Programmlogik gehorcht, für unseren
Laienverstand aber besser mit „Zufall“ übersetzt wäre. Und „Muster“ ist denn
auch der Begriff, der einem auf die Lippen kommt, wenn es darum geht, die
visuellen Effekte zu beschreiben. Sie gleichen Geweben, wo Farbfäden, lang
und fein und dicht wie Schnürlregen, ineinander verzahnt sind. Oder
unendlich behutsam angefertigten Sandbil-dern, deren edelsteinhaft
leuchtende Pülverchen senkrecht-linear ineinander gekämmt wurden. Da kann
das Purpurrot von einem Flamingorosa abgelöst werden, das Kobalt- von einem
Eisblau. Angesichts der Fünferserie „Rose“ müßte Getrude Stein erst mal
einen Computer-Kurs besuchen, um begreifen zu können, weswegen ihr berühmter
Satz „A rose is a rose is a rose“ auch nach allen Pixel-Manipulationen immer
noch gilt.
Bei den Fünferserien wird im Titel ganz klar unterschieden, welches die
algoritmisch entstandenen Stationen sind und welches die als „Digitale
Malerei“ ausgewiesenen Sta-tionen, die sich dem gestalterischen Gutdünken
der Künstler verdanken – freilich mit un-gleich mehr Zeiteinsatz. Es hebt
die Werke des Duos Siebrecht und Pempeit ab von einer verbreiteten
kommerziell-glatten Tendenz innerhalb der Digitalmalerei, daß sie oft etwas
ausgesprochen Griffiges ausstrahlen, reich an vermeintlichen Überlagerungen,
Wölbungen, Materialtransparenzen wie von Linsen oder Prismen, als handle es
sich bei ihnen um reale Collagen oder Reliefs. Manchmal hat man den
Eindruck, es seien gezielt regelrechte Stör-körper und Irritationsfelder
eingebaut. Bei B.Felician Siebrecht, von der Ausbildung her Malerin, ist
diese Lust an Plastizität und Raum verwunderlicher als bei ihrem Partner
K.L. Pempeit. Denn der fußt auf einer soliden Steinmetz- und
Bildhauergrundlage. Er nimmt seine Herkunft neuerdings wortwörtlich mit den
Fliesenreliefs. Das Dilemma: „Wie kann man eigentlich ein Bild hauen?“ hat
er für sich aufgelöst, indem er per Sandstrahlverfahren höchst komplexe
Motive aus dem schwarzen Granit herausfräst. Wobei ganz am Anfang zwar eine
Zeichnung mit dem Stift stehen kann, immer jedoch eine Digitalübertragung
erst die Pixelstruktur schafft, die in der fertigen Arbeit die Suggestion
von Licht und Schatten und sogar von Tiefenerstreckung schafft.
Ob Schwarz-Weiß im Millimeterrelief, ob rein und kontrastkräftig auf die
Leinwand ge-spritzte Farben, die ihre Mischung nur durch die Nadelausschläge
des Algoritmus erfahren – über der Entwicklung getrennter und gemeinsamer
Konzepte ist für das Künstlerduo Siebrecht und Pempeit die Sinnlichkeit
nicht auf der Strecke geblieben. So scheinen sich nicht nur rätselhafte
Gegenstände und nicht mehr recht einholbare Ereignisse – pochpoch – von der
Rückseite des Bilder her bemerkbar zu machen. Es sind, wie bereits erwähnt,
auch grundsätzliche Fragen, die, allerdings mit etwas anderen Vorzeichen,
während der ganzen Kunstgeschichte gestellt wurden. Die im 19.Jahrhundert
virulente philosophische Kontro-verse über die Unterschiede zwischen dem
Naturschönen und dem Kunstschönen ist heute, zu Beginn des 21.Jahrhunderts,
und namentlich im Kontext der Videor Art Foundation, zur Seite gedrängt von
der Kontroverse zwischen dem Schönen, das von Hand, und dem, das von
Maschinen generiert ist, per Inspiration oder per Programm. Wir, die wir
ästhetischen Genuss aus der Begegnung mit beidem ziehen, können uns schlecht
aus der Kontroverse schmuggeln mit dem Argument, hinter der Maschine und dem
Programm stehe schließlich auch der Mensch. Spüren wir doch, daß die
Wirkungsweise der Resultate unterschiedlich ist, von der Erscheinungsweise
einmal ganz abgesehen. Wenn wir als Publikum heute abend zu keiner
endgültigen Erkenntnis vorstoßen, ist das um so verzeihlicher, als auch
B.Felician Siebrecht und K.L.Pempeit an dieser Nuß noch knacken. Wie wir
wandern sie suchend und grübelnd „zwischen den Zeichen“ umher – daher der
Titel dieser Ausstellung.
© Dr.Roland Held, Darmstadt 2008
Kunstaktion, Frankfurt am Main 1985
Brigitte Felician Siebrecht
[sense threatened seriously since yesterday]
Audio-Poesie & Plakatierung, Frankfurt Main 1985
Komposition: Brigitte Felician Siebrecht
Sprecherinnen: Yvonne Engel, Uta Kroder, Ulrike Neeb, Brigitte Felician Siebrecht